Avantasia Project

Avantasia es una Super Banda básicamente Metal Sinfónica x su estilo operístico... formada x hasta ahora... 3 álbumes elucubrados en la mente de Tobias Sammet, líder vocalista de la banda Hard Rock: Edguy...... El nombre del proyecto es como la mezcla de 2 palabras: Avalon and Fantasy y describe 1 mundo + allá de la imaginación humana... El proyecto cuenta la historia ficticia de 1 monje dominico... Gabriel... en el año 1602...........................

Lo mejor q suele ocurrirnos a los amantes de la música son precisamente los nacimientos de Super Bandas... solemos quedar en presencia de prodigios instrumentales e instrumentistas... jajajajajaja...

Y los manufactureros del engendro son:

X The Metal Opera I y II

o Guitarras

+ Henjo Richter (Gamma Ray)

+ Jens Ludwig (Edguy) (en los temas 12 & 13)

+ Norman Meiritz (acústico en el tema 6)

o Bajo

+ Markus Grosskopf (Helloween)

o Batería

+ Alex Holzwarth (Rhapsody of Fire)

+ Eric Singer (KISS, ex-Black Sabbath, Alice Cooper)

o Teclado

+ Tobias Sammet (Edguy)

o Piano

+ Frank Tischer (en el tema 11)

* Cantantes

o Gabriel Laymann - Tobias Sammet (Edguy) - temas 2, 3, 5, 6, 7, 9, 11, 12 & 13

o Lugaid Vandroiy - Michael Kiske (ex-Helloween) - temas 2, 5, 6, 9, & 13

o Fray Jakob - David DeFeis (Virgin Steele) - temas 3 & 13

o Bruder Jakob - David DeFeis (Virgin Steele)

o Bailiff Falk von Kronberg - Ralf Zdiarstek - temas 4 & 7

o Anna Held - Sharon den Adel (Within Temptation) - temas 6

o Bishop Johann von Bicken - Rob Rock (ex-Impellitteri) - temas 7 & 12

o Papa Clement VIII - Oliver Hartmann (ex-At Vance) - temas 7, 12 & 13

o Elderane el Elfo - André Matos (Shaaman, ex-Angra) - temas 11, 12 & 13

o Regrin el enano- Kai Hansen (Gamma Ray) - temas 11 & 12

o Voz de la torre - Timo Tolkki (ex-Stratovarius) - tema 13

o Mysterious Voice of the Tower - Timo Tolkki (Stratovarius)

o Árbol del conocimiento - Bob Catley (Magnum)

X Lost in Space Part I y II

o Jorn Lande

o Bob Catley & Amanda Somerville

o Eric Singer

X The Scarecrow

o Guitarra

+ Sascha Paeth

+ Henjo Richter (Gamma Ray)

+ Kai Hansen (Gamma Ray)

+ Rudolf Schenker (Scorpions)

o Bajo

+ Tobias Sammet (Edguy)

o Batería

+ Eric Singer (KISS, ex-Black Sabbath, Alice Cooper)

o Teclado

+ Michael Rodenberg

* Cantantes

o Tobias Sammet (Todos los temas)

o Roy Khan (Tema 1)

o Jorn Lande (Temas 2, 6, 8)

o Michael Kiske (Temas 2, 3, 5)

o Bob Catley (Temass 3, 9)

o Amanda Somerville (Temas 5, 11)

o Alice Cooper (Tema 7)

o Oliver Hartmann (Tema 10).

Barzaz Breiz

El Barzaz Breiz, canciones populares de Bretaña, subtitulado «recopilados y publicados con una traducción francesa, aclaraciones, notas y las melodías originales por Th. de La Villemarqué» es una antología de canciones recopiladas en la zona de habla bretona de Bretaña durante el siglo XIX, traducidos y anotados por el vizconde Théodore Hersart de la Villemarqué. Prácticamente la totalidad de los textos de la antología tienen su origen en una recolecta de los mismos iniciada por su madre y proseguida posteriormente a gran escala por él mismo.
Barzaz Breiz, en idioma bretón, significa literalmente «Antología de poesías de Bretaña».
La primera edición fue publicada en 1839 en la ciudad de París por Éditions Delloye en forma de dos libros en octavo.
Reimpreso en 1840, 1845 y de nuevo, por Didier et Cie, en 1846, el libro fue posteriormente publicado en 1867 en París.
La edición de 1867 ha sido objeto de numerosas reimpresiones hasta nuestros días por parte de la librería académica Perrin, ello sin tener en cuenta las numerosas traducciones al inglés (Taylor, Fleay...), al alemán (Keller-Seckendorf....), al italiano (Pascoli), al polaco, entre otros.
En 1981, se efectuó incluso una nueva edición del Barzaz Breiz en formato de bolsillo.
En 1989, un editor de Lesneven, Mouladurioù Hor Yezh, editó, con el título de Barzhaz Breizh, la única edición hasta el momento que únicamente contiene el texto en bretón, aunque transcrito en la moderna ortografía unificada de dicho idioma, el llamado peurunvan.
En 1996, Coop Breizh publicó una versión en formato de bolsillo sin el texto bretón, según los deseos de Pierre Trépos (Au sujet d'une nouvelle édition du Barzaz Breiz, 1959).
En 1999, las Éditions du Layeur publicaron una reimpresión de la edición de 1867, presentada por Yann-Fañch Kemener, cantautor en bretón e importante recopilador de canciones, a la que se añadió el prefacio de la edición de 1845. Su mérito principal es el de presentar los textos franceses y bretones cara a cara, de modo que se asegura una perfecta legibilidad de los mismos. La obra está acompañada por un disco compacto que aporta la interpretación de 12 de las canciones por Yann-Fanch Kemener y la Maîtrise de Bretagne, en solitario o a dúo.
La obra conoció un importante éxito de apreciación entre la sociedad literaria parisina, recibiendo una célebre apreciación por parte de George Sand que mencionó «los diamantes del Barzaz Breiz», comparando una de las canciones de la recopilación, Le Tribut de Nominoé, con la Ilíada de Homero. El autor, que tan sólo contaba con 24 años de edad, vio cómo aumentaba su estatus social, lo que le permitió, al profundizar sus estudios sobre el idioma bretón y las viejas tragedias bretonas, convertirse en una referencia incontestable y ver cómo se le abrían las puertas de la Academia de las inscripciones y lenguas antiguas en 1856.
Durante los años posteriores, el Barzaz Breiz ha seguido gozando de amplia trascendencia, tanto en el ámbito estrictamente literario como en el científico o en el político. Sigue siendo todavía fuente de inspiración para artistas actuales, especialmente para músicos y compositores, debido a que la música de las canciones está también anotada en la obra.
Tiempo después de su publicación, François-Marie Luzel efectuó una serie de severas críticas respecto de quien había sido por cierto tiempo su maestro, durante un congreso erudito celebrado en el año 1868. Consideraba que las canciones habían podido ser completamente elaboradas desde cero, como lo hizo James MacPherson respecto de Ossian, ya que, según afirmaba, él mismo no había encontrado nunca versiones tan elegantes y tan exentas de palabras en idioma francés introducidas en sus textos. El principal problema puesto de manifiesto por estas primeras críticas a la obra era que La Villemarqué se negaba a mostrar públicamente sus cuadernos de campo sobre la recogida de los materiales del Barzaz Breiz. Sin embargo, hacia el final de sus vidas La Villemarqué et Luzel se reconciliaron.
En una tesis presentada en 1960, Francis Gourvil sostenía que el Barzaz Breiz era en realidad una falsificación.
En otra tesis leída en 1974 (aunque no publicada hasta 1989), Donatien Laurent rechazaba parcialmente dichas acusaciones al demostrar la autenticidad de los materiales de la obra gracias al descubrimiento, en 1964, de los carnets de notas con las recolecciones de material de La Villemarqué. La hipótesis más verosímil es que La Villemarqué procedió a efectuar arreglos en el material recolectado con la finalidad de embellecerlo y de establecer una especie de versión-tipo, al modo de los hermanos Grimm, como se hacía normalmente en su época.

Perfect Dark

Perfect Dark se formó en 1996 como banda de rock y hasta el momento ha contado con componentes muy distintos los cuales han ido variando a lo largo de los años. El proyecto fue ideado por Marta Abelló, autora de los temas.
En la primera época, la banda hacía un rock duro y sólo llegaron a tocar en casas okupadas y en institutos. Más tarde, con la entrada de Miquel Company, tuvieron la oportunidad de actuar en 'La Capsa' del Prat del Llobregat (Barcelona). Después de varias pruebas, Perfect Dark cambió todos sus componentes para el mismo proyecto pero con influencias más electrónicas y ambientales.
En julio del 2002 se unieron Jordi Jaume y la propia Marta Abelló y a continuación se integraron dos componetes más, que se retiraron después de un concierto en 'Luz de gas' para participar en otros proyectos. Ahora, a la banda se la han incorporado Edu como guitarrista y a César como sámpler, teclados y voces.

Steve Hackett

Stephen Richard Hackett, músico inglés nacido en Pimlico, Gran Bretaña, el 12 de febrero de 1950. Saltó a la fama como guitarrista del grupo de rock progresivo Genesis entre 1970 y 1977. Posteriormente, ha seguido una carrera en solitario.
dejó Genesis en 1977.

Biografía
Hackett tuvo acceso desde niño a varios instrumentos, como la flauta y la melódica, pero no se interesó por la guitarra hasta los doce años. Comenzó tocando notas aisladas, y a los catorce aprendió a formar acordes y combinarlos, sin recibir ninguna enseñanza reglada. Sus primeras influencias, visibles aún en su producción más reciente, fueron clásicas: Johann Sebastian Bach y el tenor Mario Lanza. También escuchó con atención a numerosos artistas de blues, como Danny Kirwan, Peter Green y los guitarristas de John Mayall & the Bluesbreakers.

Primeros pasos
Hackett comienza a tocar en bandas de rock progresivo como Canterbury Glass, Steel Pier y Sarabande. Realiza su primera grabación profesional con la banda Quiet World en el álbum titulado The Road (1970).
En diciembre de ese mismo año ingresa en Genesis a través de un anuncio clasificado en la revista Melody Maker.

Genesis
Como integrante de la formación clásica del grupo, Hackett participa en 8 álbumes de la banda. Su escasa experiencia le ocasiona algunas dificultades en los primeros meses, pero pronto encuentra su lugar dentro del grupo, contrarrestando con su estatismo en escena el movimiento impredecible de Gabriel.
Su primera grabación con Genesis es Nursery Cryme, editado en noviembre de 1971. La presencia de Hackett llama la atención en temas como "The Musical Box" y "The Return of the Giant Hogweed", en los que experimenta con la técnica del tapping.
Aunque Nursery Cryme tiene un resultado comercial discreto, el siguiente disco, Foxtrot (1972) alcanza un gran éxito. En él se incluye el instrumental "Horizons", interpretado por Hackett en solitario, que se convierte en una de sus piezas características.
Con el siguiente disco, Selling England by the Pound (1973), Genesis alcanza la cima de su carrera. Destaca el trabajo de Hackett en "Dancing with the Moonlit Knight" y "Firth of Fifth", que incluye uno de los solos más notables y conmovedores de Hackett.
Hackett comienza a sentirse frustrado con la orientación de la banda, pues no puede desarrollar con libertad sus ideas y ve cómo algunas de sus composiciones son rechazadas. Tras la publicación de Wind & Wuthering (1977) decide abandonar el grupo.

En solitario
Aunque ya en 1975 graba Voyage of the acolyte, su primer disco en solitario, Hackett no abandona Genesis hasta 1977. En su retirada pudo influir su mala relación con el teclista Tony Banks, así como el deseo de expresarse con más libertad.
En sus trabajos posteriores se aprecian varias etapas: una primera de rock progresivo y experimental, seguida por otra en la que desarrolla temas más pop, cercanos a la world music. Posteriormente, Hackett explora su interés por el repertorio de guitarra clásica y el blues. En los últimos años, alterna discos de influencia clásica con otros rockeros.
Su disco más vendido es Highly strung (1982), del que se extrae el single Cell 151. Por esos años comienza a colaborar con antiguos miembros de King Crimson y en 1982 se reúne con los demás músicos de Genesis para un concierto benéfico de WOMAD, por iniciativa de Peter Gabriel.
En 1986, emprende junto a Steve Howe, guitarrista de Yes, un proyecto denominado GTR. De él surge un único trabajo homónimo. En Internet pueden hallarse algunas maquetas destinadas a un segundo disco, fallido.
Una gira con David Palmer, ex teclista de Jethro Tull), lleva a Hackett a Sudamérica en 1994.
Aunque Steve Hackett ha gozado de reconocimiento a lo largo de su carrera como solista, sus fans siempre han recordado con especial afecto su etapa con Genesis. Steve Hackett ha mostrado su apego por la música de su antiguo grupo en el proyecto Genesis Revisited, emprendido en 1996, en el que actualiza piezas célebres del grupo, ofreciendo además algunos temas propios fieles al espíritu de la banda.
En la actualidad sigue editando discos en forma regular, viajando por el mundo en gira y colaborando con músicos importantes de distintas corrientes, como Neal Morse, de Spock's Beard. Destaca su trabajo con su hermano, el flautista John Hackett, en Sketches of Satie (2000), que ofrece una versión depurada, para flauta y guitarra clásica, de las piezas más conocidas de Erik Satie.

Técnica
Hackett es conocido en en mundo del rock por haber llevado a la guitarra eléctrica la técnica del tapping, propia de la guitarra clásica.

Influencias
Entre sus influencias se encuentran Eric Clapton, Jeff Beck, George Harrison, y J. S. Bach.
A su vez, han expresado su admiracion por él, entre otros, Alex Lifeson de Rush, Yngwie Malmsteen, Francis Dunnery, Roine Stolt y Mike Holmes. Brian May, guitarrista de Queen, ha mencionado en varias ocasiones la influencia que tuvo en él el trabajo de guitarra de Hackett en las canciones The Musical Box y Return Of The Giant Hogweed del álbum de Genesis Nursery Cryme.

Discografía
* 2006 Wild Orchids
* 2005 Metamorpheus
* 2003 To Watch The Storms
* 2000 Feedback '86 -
* 2000 Sketches of Satie (con su hermano, el flautista John Hackett)
* 1999 DARKTOWN -
* 1998 The Tokyo Tapes
* 1997 Genesis Revisited
* 1997 A Midsummer Night's Dream
* 1994 There Are Many Sides To The Night
* 1994 Blues With A Feeling -
* 1994 Guitar Noir
* 1992 The Unauthorised Biography -
* 1992 Time Lapse -
* 1988 Momentum -
* 1983 Till We Have Faces -
* 1983 Bay Of Kings -
* 1983 Highly Strung -
* 1981 Cured -
* 1980 Defector -
* 1979 Spectral Mornings -
* 1978 Please Don't Touch
* 1975 Voyage Of The Acolyte

Fuente: Wikipedia

Pain of Salvation

Pain of Salvation es, junto a Dream Theater, la banda más representativa de la corriente metálica dentro del Rock Progresivo actual. Nacidos como los neoyorkinos en los años 90, suponen una baza principal para la salvación entre las nuevas generaciones de este gran género musical que es el progresivo.
El grupo de origen sueco tuvo como primer origen la formación Reality, formada en 1984 por el guitarrista y vocalista Daniel Gildenlöw cuando sólo contaba con once años de edad. A pesar de su corta edad consiguió cierta atención mediática en su país nórdico gracias al virtuosismo que mostraba la formación. A finales de 1987 Reality se clasificó para el certamen musical sueco "Rock-SM", el mismo que hizo de los rockeros Europe uno de los grandes en el panorama mundial. Fueron los más jóvenes aspirantes dentro de la historia del certamen. Daniel Gildenlöw ganó el premio al mejor vocalista y en el mismo año, la banda participó en un festival de los Beatles, también como los más jóvenes. Por entonces sus miembros eran Mikael Pettersson, Daniel Magdic, Daniel Gildenlöw y Joakim Strandberg.
En 1990 la banda vivió una serie de cambios. Magnus Johansson reemplazó a Strandberg en el bajo y Johan Langell (de sólo catorce años) sustituyó a las baquetas la miembro fundador Pettersson. Los líderes y principales compositores, Gildenlöw y Magdic, observan de forma negativa la situación como para seguir adelante. El recién incorporado Johansson deja el grupo y en su lugar entra Gustaf Hielm (ex Meshuggah).
Ya en 1991 aparece por primera vez el actual nombre de la banda, "Pain of Salvation", y entre ese año y 1994 conoce cierto éxito a nivel nacional gracias a certámenes y concursos, siempre finalistas o ganadores, sin bajar de esa consideración. Eran muy apreciados por su virtuosismo, su variado material y los extravagantes arreglos de voz. Algunas de las composiciones de esta época son las que luego aparecerían en su disco debut, Entropia, tales como Nightmist y Oblivion Ocean, y otras como bonus tracks en la edición japonesa del segundo disco One Hour by the Concrete Lake.
En diciembre de 1994, el hermano menor de Daniel Gildenlöw, Kristoffer (por entonces con 16 años), sustituye a Gustaf Hielm como bajista. Por entonces Pain of Salvation aún buscaba un teclista que se equipara a su alto nivel cualitativo, pero los candidatos que se barajaban no conseguían convencer. No es hasta 1996 que ese añorado teclista aparece, siendo Fredrik Hermansson (de 20 años) el elegido. Con él la formación estaba completa a gusto de Gildenlöw y pronto se pusieron manos la obra para ensayar. Grabaron unas maquetas con antiguo y nuevo material pues en los últimos tiempos habían grabado muchas cintas, pero esta vez era la primera en que grababan algo definitivo que mandar a las discográficas. Su perfeccionismo retrasó esta intepestiva ya que no estaban satisfechos.
Las dos primeras compañías de discos a las que fueron dirigidas estas maquetas fueron Marquee/Belle Antique (con mercado en Japón y Asia) y Roasting House (de Suecia) recibieron positivamente sus trabajos y a primeros de 1997 Pain of Salvation graba por fin su disco debut Entropia bajo el sello nacional en los estudios Roasting House Studios en Malmöe. En el mercado asiático fue editado también a lo largo de ese año pero el resto de Europa no pudo disfrutar de su disco hasta 1999. En cuanto a crítica, el álbum recibió buena acogida en todo el mundo.
En enero de 1998, sólo un mes antes de grabar su segundo trabajo, One Hour by the Concrete Lake, Daniel Magdic y el resto de la banda, tras meses de desconcierto, decide dejar la banda para buscar sus metas personales. Johan Hallgren es solicitado para afrontar la sobrehumana tarea de aprender todos los nuevos temas y termina siendo un miembro de la banda tras su gran intervención. El disco aparece en el mercado asiático a finales 1998, en Europa a comienzos del 99 y más tarde en los Estados Unidos. Aclamados por la crítica, el disco es la principal razón por la cual el grupo es contratado por la compañía de discos InsideOut y más tarde en su sede americana InsideOut America, la misma que Dream Theater. Además marcharon de gira en Europa durante tres semanas en marzo de 1999 junto a los británicos Threshold y los italianos Eldritch.
Y tras un año de buena acogida por la crítica, la banda comienza a componer nuevo material para un tercer álbum. En febrero de 2000 empieza el trabajo de estudio y terminan en junio el The Perfect Element I, encargándose Gildenlöw de todo el diseño y trabajo de multimedia para este disco conceptual, que apareció en el mercado finalmente en septiembre cuando estaban de gira con el grupo Arena. En esa misma gira, en Barcelona, Gildenlöw cayó y se rompió dos dedos de su mano izquierda con gravedad. A pesar del incidente, cumplimentó la gira. Más tarde las giras coincidieron con los mismísimos Dream Theater, ya erigidos entre las grandes bandas.
En 2002, recién arrancado el año, salió a la venta Remedy Lane, un paso adelante en su evolución musical dentro del progresivo. En este trabajo están perfectamente representadas sus composiciones profundamente emocionales y su viturosismo instrumental. Fruto de una mala época personal para Gildenlöw, los temas son los más perfectos de su carrera. Se trata de un disco conceptual que se enfrenta a temas como el miedo, el odio, el desencanto, los sentimientos más oscuros, las dudas existenciales...
Su líder Gildenlöw, fue músico invitado en la gira europea del grupo de estrellas Transatlantic y en la primavera de 2002 fueron de nuevo compañeros de Dream Theater en gira.

Art Garfunkel

Arthur Ira Garfunkel, conocido como Art Garfunkel (nacido el 5 de noviembre de 1941), es un actor y cantante americano, famoso por formar parte del dúo de folk Simon and Garfunkel.Arthur Garfunkel nació en Forest Hills, un barrio de Queens, Nueva York. Es de ascendencia judía de Rumanía.
Conoció a Paul Simon en sexto curso. Entre los años 1956 y 1962 tocaban juntos música con el sobrenombre de Tom & Jerry. Garfunkel se hacía llamar "Tom Graph". Se matriculó en la Universidad de Columbia a principios de los sesenta, allí tocó con los Kingsmen, un grupo a capella en el que todos eran hombres. Durante su estancia en la universidad, también fue miembro de la Alpha Epsilon Pi, la única fraternidad judía en Estados Unidos y Canadá. En 1962 se sacó el Bachillerato de Artes licenciándose en Historia del Arte.
En 1963 volvió a unirse al dúo con Simon, aunque ahora ya bajo sus nombres reales, Simon y Garfunkel. En octubre de 1964 publican "Wednesday Morning, 3 A.M.", su primer álbum gracias a Columbia Records. El álbum no tuvo buena acogida, y el dúo se separó. Al año siguiente añadieron sonidos electrónicos a la canción The Sound of Silence, ya que la original solo contaba con guitarra y la voz del cantante. Se volvieron a juntar, y en los años sucesivos grabaron cinco discos más, logrando ser reconocidos como uno de los grupos más populares de la década de los 60. El dúo publicó en 1970 el álbum más elogiado de su carrera, Bridge Over Troubled Water, sin embargo, el dúo se volvió a separar debido a los diferentes intereses entre ambos y las ganas de crear una carrera en solitario.
En los años 70, Garfunkel publicó algunos álbumes como solista, y, aunque no cosechó el mismo éxito que había alcanzado con el dúo, todavía ganeró algunos éxitos como I Only Have Eyes For You y Bright Eyes (ambos #1 en las listas inglesas) o All I Know, que alcanzó el noveno puesto en estadounidenses.
Sin embargo, Garfunkel deseaba ser actor y mostrar al mundo el talento que se ocultaba dentro, y así lo hizo, participando en películas como Trampa 22 y Conocimiento Carnal.
Después de el fracaso de su disco Scissors Cut, Garfunkel se reunió con Simon para el prestigioso concierto en el Central Park de Nueva York. Después de aquello, estuvieron trabajando en un nuevo álbum, pero Garfunkel dejó el proyecto, argumentando que no estaba de acuerdo con las letras de Simon. Garfunkel dejó la música durante varios años, pero en 1988 volvió a grabar un nuevo álbum, Lefty. Ningún álbum que publicó en su etapa como solista obtuvo grandes éxitos, y fue por ello que no volvió a publicar ninguno hasta 1993, con Up 'til Now. Es posible que su mayor éxito fuera Across America, una grabación en directo de 1996 en Ellis Island. En aquel concierto actuaban como invitados artistas como James Taylor, y también destacó la presencia de Kim y James (esposa e hijo de Garfunkel, respectivamente).
En el 2003 publicó el álbum Everything Waits to Be Noticed, en el que se estrenó como compositor. En el disco, Garfunkel trabaja junto con los compositores Maia Sharp, y Buddy Mondlock. Ese mismo año realiza una gira junto con Paul por norteamérica, y en el 2004 por todo el mundo.
En 2006 comienza una gira en la que incluye un par de conciertos en España (Madrid y Pamplona) y la finaliza con un gran concierto en Hong Kong.
El 30 de Enero de 2007 se publica un nuevo álbum, Some Enchanted Evening, y de nuevo, comienza una nueva gira, la cual está programada para finalizar en Noviembre de 2007.
El 23 de Mayo de 2007 se celebró la ceremonia de entrega de premio a su compañero y amigo, Paul Simon, por su gran contribucion a la musica. En este acto, participo Art Garfunkel interpretando, junto al premiado, "Bridge Over Troubled Water" y "Cecilia", dos clasicos de este fantastico duo.
Es INCREIBLE... el tipo sigue poniendo los pelos de punta... a pesar de las fallas de sonido y las terminaciones de los videos a veces... abruptas... contra viento y marea... CHAPEAU MONSIEUR ART GARFUNKEL!!!!

1º CLICK HERE==>> http://es.youtube.com/watch?v=G0T5zPCUfSQ
2º CLICK HERE==>> http://es.youtube.com/watch?v=2XAbdFNLm-g
3º CLICK HERE==>> http://es.youtube.com/watch?v=RZma6kHRXEE
4º CLICK HERE==>> http://es.youtube.com/watch?v=yHWHqZICGZw
5º CLICK HERE==>> http://es.youtube.com/watch?v=FrmcSJGvz4s
6º CLICK HERE==>> http://es.youtube.com/watch?v=xnVkaYgq6Is
7º CLICK HERE==>> http://es.youtube.com/watch?v=bqbZdbhL8pI
8º CLICK HERE==>> http://es.youtube.com/watch?v=rL83-ljQiMo

En el recuerdo... CLÁSICOS...

9º CLICK HERE==>> http://es.youtube.com/watch?v=PNPLs5QFjxw
10º CLICK HERE==>> http://es.youtube.com/watch?v=bE1dz6_u2JI
11º CLICK HERE==>> http://es.youtube.com/watch?v=kSUfq1t7Ztk
12º CLICK HERE==>> http://es.youtube.com/watch?v=vCbOEZ8c8dM

ABRAXAS

Según su biografía, ABRAXAS inició su trayectoria en octubre de 1987. Desde entonces buscaron definir un camino propio y en su búsqueda han sufrido varios cambios de alineación, dejando a Adam LASSA (voz) como el único miembro original que ha permanecido en todas sus etapas.
Como características generales de este grupo están una fuerte presencia de los teclados, algunos tratamientos a la MARILLION en la guitarra para dar inicio a un buen número de cortes y la actuación teatral por parte de LASSA en el escenario. Cortes acústicos que ocasionan un ambiente cálido a la música y una voz que a veces te hace recordar al vocalista de SAGA. Normalmente sus producciones las hablan en polaco, pero para ampliar sus horizontes, produjeron un par de sus discos en idioma inglés, dando como resultado un trabajo interesante. La primera versión alternativa es la de su disco "Centurie", "Prophecies" en versión inglés, y la segunda el álbum "99".
ABRAXAS fue considerado dentro de la escena arte rock allá en Polonia pero poco conocido (o difundido) en la progresiva en el resto del mundo. Habremos de ponerle remedio, aunque será para recordarlos nada más. Este grupo hubo de poner 6 producciones en el mercado antes de desintegrarse, escribiendo una historia accidentada donde participan bandas como ANYWAY y XENN. ABRAXAS se estableció el 29 de octubre de 1987 en Bydgoszcz, Polonia. Dos amigos, Adam LASSA y Lucasz SWIECH encontraron para el grupo un buen nombre. Como se cuenta en "Demian", Abraxas fue la deidad de los poderes buenos y malos que se impregnaban a sí mismos y, como se cuenta después, este dualismo específico ocurrió para ser característica de la banda. Una atmósfera impetuosa, mezcla inusual de ritmos, líricos controversiales, arreglos musicales llenos de complejidad, armonías encantadoras son lo que dominan en el estilo de ABRAXAS. A finales de los '80, una camada de músicos rock dominaba la escena musical polaca en un estilo punk, y aunque los músicos de ABRAXAS recibieron diferentes premios, su música nunca fue tratada con seriedad por los medios. En esos tiempos la banda hizo conciertos importantes como soporte para artistas como Ziyo y Reserwat. También acariciaron sueños de grabar un álbum propio y así ganar popularidad, más que nada porque la banda cada vez tenía más y más expertos contribuyendo para que la banda fracturara… un período de dos años en los que la banda no realizó ninguna representación.
En junio de 1991 ABRAXAS revivió, presentando a Lucasz como guitarrista y compositor, a Adam como vocalista e integrando a nuevos elementos: Krzysztof PACHOLSKI (teclados), Mikotaj MATYSKA (batería), Rafat RATAJCZAK (bajo) y Radek KAMINSKI (guitarra). La nueva filosofía del grupo y una música creativa e inusual atrajo a ellos nuevos seguidores, posiblemente gracias a dos increíbles conciertos que tuvieron lugar en Bydgoszcz en marzo y en abril de 1992. Los conciertos atrajeron a un sorprendente número de personas que querían ver a una banda misteriosa y controversial. Este periodo de gran éxito terminó con el concierto en Bydgoszcz que se transmitió por radio, exhibiendo la capacidad de un músico dotado, Radek KAMINSKI.
En julio de 1992, ABRAXAS se presentó en el Gran Festival de Wegorzewo y en agosto transmitieron su concierto en Bydgoszcz por la estación de radio PIK. Para el invierno ABRAXAS ya no existía más. De cualquier forma, la banda ya estaba establecida y lo que pasó sellaría el destino de ABRAXAS. Cuando en un día lluvioso en julio del '93, Radek muriera víctima de un accidente automotriz, nadie puso en duda que los prospectos para el futuro de su carrera fueron rotos.
Algunas veces la fortuna toma lugar para algo mejor. Adam LASSA tomó fuerza del apoyo obtenido de los músicos de ABRAXAS, y se arriesgó él solo para revivir la banda. Fue a Gniezno donde conoció músicos del grupo AYLOE. Todos compartían la misma pasión por la música y querían afrontar un reto que resultó en la tercera resurrección de ABRAXAS. Al nuevo grupo se integraron Szymon BRZEZIÑSKI (guitarra), Marcin BFASZCYK (teclados), Macin MAK (batería), Olgierd BAFTAKI (bajo) quien fuera reemplazado al poco tiempo por Rafal RATAJCZAK. Durante 1995 la banda trabajó duro y en 1996 hicieron su regreso y grabaron su álbum debut, "Abraxas", mismo que deseaban desde hace tiempo, siendo éste el punto más importante en la historia de ABRAXAS. Un preludio más real fue su representación en el Primer Festival de Música Progresiva en Varsovia, donde la banda fue aclamada como la estrella del festival.
El primer álbum del grupo fue bien recibido por la crítica especializada, por sus seguidores y por el periodista Tomasz BEKSIÑSKI quien escribió: “la música de ABRAXAS es una navaja y cuando ésta viaja cerca de la piel del hombre uno no puede ser indiferente”. Nadie quien haya visto al menos una vez a esta banda en concierto puede ser indiferente a ella pues son un verdadero espectáculo, lleno de dramaturgia. Uno tiene que admitir que desde el lanzamiento de su álbum debut, han participado en muchos conciertos al lado de artistas como FISH, PORCUPINE TREE, Colin BASS, y en la gran representación de Robert PLANT & Jimmy PAGE en Katowice. ABRAXAS tuvo éxito con sus seguidores en Holanda y Francia. Incluso recibieron cartas de felicitación de Japón y Brasil. ABRAXAS tuvo éxito no sólo por sus conciertos, sino por sus álbumes siguientes. El álbum "Prophecies" (en Polonia "Centurie") atrajo en 1998 a muchos radioescuchas en Polonia. En el mismo período, Szymon y Marcin colaboraron con Colin BASS, quien decidió producir un álbum solista. En 1999 ABRAXAS realizó un nuevo álbum y la banda tuvo algunos cambios. El nuevo álbum salió a la venta en junio del '99 y fue llamado "99".
ABRAXAS son: Szymon BRZEZIÑSKI, Marcin BFASZCYK, Mikolaj MATYSKA, Adam LASSA, Rafal RATAJCZAK, Lukasz SWIECH. Hasta ahora, ABRAXAS ha grabado 5 discos (incluyendo el 2° y el 3° en versiones en inglés), han adquirido gran experiencia a través de conciertos y representaciones en televisión y ya cuentan con un montón de seguidores en todo el mundo.

1º CLICK HERE PLEASE==> http://es.youtube.com/watch?v=Y-xklT75Czs&mode=related&search=

2º CLICK HERE PLEASE==> http://es.youtube.com/watch?v=D6-BGi53_ns

AMORPHIS

Cuando recién comenzaba la década de los 90’s, dos jóvenes de Finlandia: Jan Rechberger (batería) y Esa Holopainen (guitarra) forman su propia banda de nombre Amorphis, que es una derivación de la palabra ‘Amorphous’, que significa: ‘Sin forma’. En todo caso desde ese momento este ‘proyecto’ tomó bastante ‘forma’ al llegar el vocalista/guitarrista Tomi Koivusaari (ex-Abhorrence) junto a Oli-Pekka Laine en el bajo. Con alineación completa Amorphis entró a la ‘cancha’ del metal con producciones bien crudas, muy en la vena de todo el boom que despertaba el death metal brutal en Europa en ese entonces. Fue así como llegan al naciente sello norteamericano de música extrema Relapse Records, quienes desde un principio les entregaron todo su apoyo y confianza a través de su disco debut de 1992, “The Karelian Isthmus”, material que de inmediato le abrió camino a la banda dentro del concierto internacional con un intenso death metal, pero más ‘melódico’ que todos sus pares en ese instante, además con la inclusión de teclados y voces oscuras. Como si fuese poco, Amorphis desde un principio desarrolló una temática muy generalizada en todos sus discos posteriores, la cual se basa en todo el reconocimiento hacia sus raíces folklóricas finesas, que a juicio de muchos es lo que marcó la diferencia de Amorphis, llegando a transformarse en una de las bandas metaleras más importantes de Finlandia. Con el pasar de los años el grupo adquirió una técnica mucho más depurada, transformando su estilo de death metal puro, a una fusión de melodías progresivas, elementos ambientales y voces limpias, rescatando además, antiguas influencias de bandas setenteras de rock. Producto de la salida del baterista original (Jan Rechberger), llega Pekka Kasari quien se une a la banda para preparar su tercer álbum de nombre “Elegy”, el cual marcó la actual dirección que sigue hoy en día Amorphis, ratificado en 1999 con su último trabajo “Tuonela"

Miembros actuales
* Tomi Joutsen - Voz * Esa Holopainen - Guitarra * Tomi Koivusaari - Guitarra * Niclas Etelävuori - Bajo * Santeri Kallio - Teclados * Jan Rechberger - Batería
Miembros pasados
* Pasi Koskinen (Rouja) - Voz (1996-2004) * Olli-Pekka Laine - Bajo (1992-1999) * Pekka Kasari - Batería (1996-2002) * Kim Rantala - Teclados (1994-1998) * Kasper Martensen - Teclados (1993-1994)
Discografía
Álbumes
* The Karelian Isthmus (1992) * Tales from the Thousand Lakes (1994) * Elegy (1996) * Tuonela (1999) * Am Universum (2001) * Far from the Sun (2003) * Eclipse (2006) * Silent Waters (2007) * Skyforger (2009)
Sencillos y EP
* Amorphis (1991) * Disment of Soul (1992) * Privilege of Evil (1993) * Black Winter Day (1994) * My Kantele (1997) * Divinity (1999) * Alone (2001) * Day of Your Beliefs (2003) * Evil Inside (2003) * Silver Bride (2009)
Compilaciones
* Story - 10th Anniversary (2000) * Chapters (CD y DVD, 2003)

Samael

Samael es una banda de black metal, oriunda de Suiza. En sus inicios fue una banda de black metal puro, evolucionando después para suavizar su sonido, e incorporar elementos electrónicos e industriales. Formación. Miembros actuales Vorph. Vocalista y guitarrista. Es también quien escribe las letras. En discos anteriores figura como "Vorphalack". Es uno de los miembros fundadores de la banda. Makro. Guitarrista. Mas. Bajista. En discos anteriores figura como "Masmiseim". Es uno de los miembros fundadores de la banda. Xy. Tecladista, programador y baterista. Es también el responsable de la música. En discos anteriores figura como "Xytras", y aún antes, como "Xytraguptor". Es uno de los miembros fundadores de la banda. Miembros pasados Rodolphe H., tecladista y encargado de los sampleos en Ceremony Of Opposites. Kaos, guitarrista de la banda hasta el disco Eternal. Discografía comentada de Samael. 1989. After the sepulture. EP. 1990. Worship Him. LP. Después de algunos demos y EPs, Samael se estrenó con este LP. Su sonido se inscribe plenamente en la escuela del black metal a la manera en que se hacía en la década de 1980, siguiendo la estela de bandas como Venom. Las líricas aludían más bien a aspectos satánicos. La carátula es el dibujo en blanco y negro de un dragón. En general, Worship Him pasó más o menos desapercibido. En esta etapa, Samael era un trío conformado por Vorphalack como vocalista y guitarrista, Masmiseim como bajista y Xytraguptor como baterista. 1992. Blood Ritual. LP. Con su segundo LP, Samael refinó un tanto su sonido, limando los aspectos más crudos del mismo, aunque sin salirse del black metal que habían cultivado en su primer LP. Las líricas siguieron siendo satánicas, aunque con algunas variaciones, como por ejemplo el tema Poison infiltration, dedicado a La Voisine, una famosa envenenadora francesa del siglo XVII. Con este LP, Samael dio un poco más de que hablar en la escena metalera europea. Este disco fue producido por el afamado productor Waldemar Sorychta, miembro de Grip Inc., que también ha oficiado como productor de Therion, Moonspell y varias otras bandas. La carátula es un dibujo que representa una misa negra, con el sacrificio de un bebé. 1994. Ceremony of Opposites. LP. Este disco fue el que marcó un giro definitivo en Samael. Por primera vez se convirtieron en un cuarteto, cuando Vorphalack, Masmiseim y Xytras (ya no Xytraguptor) incorporaron a Rodolphe H., como tecladista y sampleador. La incorporación de teclados y sampleos le dio a Samael un nuevo sonido, que salía del black metal clásico para adentrarse en las aguas del dark metal. La música estuvo nuevamente a cargo de Xytras, con la colaboración de Vorphalack en el tema To our martyrs. Nuevamente contaron con Waldemar Sorychta como productor. Este disco se grabó en apenas doce días, y se mezcló en apenas uno, lo que contribuyó a darle un carácter un poco más desprolijo, menos trabajado, que ayudó poderosamente a marcar el giro con los discos anteriores. En general, lo satánico sigue teniendo un peso decisivo en las líricas, pero ahora dándole una dimensión más existencialista, en particular en canciones como 'Till we meet again y Mask of the Red Death. La carátula representa una imagen que puede asimilarse a Cristo, con su corona de espinas, dibujada en tonos grises. Este disco fue muy bien recibido en la comunidad metalera europea, y le confirió a Samael un estatus de banda de altura dentro del medio, por aportar un sonido nuevo y fresco por sobre el estilo que había manifestado en los dos LPs anteriores. 1995. Rebellion. EP. Este EP es un disco de transición, que consolidó el sonido que Samael había estrenado en Ceremony of Opposites. Contiene temas nuevos como Rebellion, además de nuevas versiones de antiguos temas blackmetaleros, After the sepulture e Into the pentagram, interpretados ahora con su nuevo sonido. Contiene también I love the dead, cover de Alice Cooper. La carátula es un dibujo en blanco y negro, que representa el signo del Yin y el Yang, cada uno con una serpiente de diferente color con un huevo en la boca. 1996. Passage. LP. Nuevamente bajo la égida de Waldemar Sorychta, Samael consolidó su nuevo sonido con este disco, de un sonido bastante más "orquestado" y más cercano al black metal de los noventas, como una versión suave de Emperor o Dimmu Borgir. Las líricas abandonan definitivamente el satanismo, centrándose ahora en temas filosóficos, cosmológicos y existencialistas, tales como la iluminación espiritual, la fortaleza interior o la unión de contrarios. Aparece también el primer tema romántico de Samael (Moonskin), aunque sea decididamente pesimista. La carátula se limita a ser una fotografía de la Luna en primer plano y con todo detalle, desde el espacio. La edición básica de este disco incluye el disco mismo, pero hay una edición especial doble que incluye además, como disco bonus track, el LP Xytras. 1998. Exodus. EP. Este EP sigue el camino abierto por el Passage en lo musical, así como en lo lírico, aunque ahora dándole mayor preeminencia a los elementos electrónicos, con un resultado un poco más ampuloso. Al igual que Rebellion, este EP contiene algunos temas nuevos, más dos nuevas versiones de canciones viejas (Son of Earth y Ceremony of Opposites, este último ahora con una marcha de introducción). Las líricas son similares a las del Passage, incluyendo un nuevo tema romántico, de lírica algo más delicada (Winter solstice). 1998. Xytras. LP. Este disco es una rareza, ya que Xytras reacondicionó una decena de temas, provenientes en su mayoría del Passage (salvo Tribes of Cain y Winter solstice, que provienen del Exodus), en versiones instrumentales para cuerdas y piano, y con los nombres de las canciones traducidas al alemán (así, por ejemplo, Winter solstice figura como Wintersonnewende). La carátula es el negativo exacto del disco Passage. 1999. Eternal. LP. Con este disco, Samael marcó un nuevo giro en su trayectoria, dejando de lado el sonido más cercano al black metal y al dark metal. Vorph deja de vociferar en varias partes, para empezar a recitar. Las canciones mismas son ahora más rockeras y con arreglos industriales, con influencias de bandas como Ministry o Rammstein, aunque sin abandonar el tono majestuoso que le confieren los teclados. Las líricas son también más optimistas, dejando un tanto de lado las preocupaciones filosóficas y existencialistas para hacer llamados a brillar y ser auténtico con uno mismo. También incluye un par de canciones que se refieren a temas románticos (Together y Us). 2003. Black Trip. DVD. Este, el primer y hasta la fecha único DVD de Samael, contiene sus videoclips, además de presentaciones en vivo de la banda. 2004. Reign of Light. LP. Rumores de internet señalan que el receso de cinco años de Samael se debió tanto a problemas personales, como a diferencias con su sello anterior, Century Media. De hecho, salió bajo el sello Galactic Records, producido por Samael y coproducido por Waldemar Sorychta. En este disco dan prácticamente por abandonada su tradición más vinculada a la música gótica, para abrazar un estilo más relacionado con el sonido industrial y con el Tanz Metal a lo Rammstein. También comenzaron a experimentar con algunos arreglos que le dieron un toque algo arábigo a algunas canciones. Sami Yli-Simiö en sitar, y Sandra Schleret en vocales, oficiaron como músicos invitados. Este disco contiene las que con toda probabilidad son las líricas más optimistas de Samael. La edición de este disco para Estados Unidos contiene tracks en DVD, más el tema Telepathic, que es una remezcla de Telepath. 2005. Telepath. Single de "Reign of Light". Primer single de Reign of Light, contiene la remezcla Telepathic, más el videoclip Telepath como track multimedia. 2005. On Earth. Single de "Reign of Light". Segundo single de Reign of Light, contiene Auf der Erde (versión en alemán de On Earth) y I feel you, un cover de Depeche Mode. 2006. Era One. LP doble. LP doble que contiene el material grabado para Century Media, y que no había sido previamente lanzado al público. El disco 1 contiene Era One, música electrónica grabado en el verano de 2002. El disco 2 contiene Lesson In Magic #1, disco instrumental de música electrónica y ambiental, grabado en el verano de 2003. Ambos fueron grabados como una manera de dar cumplimiento a las obligaciones contractuales con el sello Century Media, y no fueron remezclados sino hasta el año 2005, razón por la cual se había demorado su lanzamiento para el público.

Soilwork

Bajo el nombre original de "Inferior Breed" surgía una banda influenciada por los grupos Machine Head y Pantera, en 1995. Pero el futuro que le esperaba a este grupo iba a ser bien diferente con respecto a sus incios, y, de hecho, los mismos integrantes fueron experimentando con otras formas de metal. De sus primeras influencias de Thrash Metal a las tendencias más sólidas del Death Metal. Tal fue la evolución, que incluso decidieron cambiar el antiguo nombre de la banda por uno nuevo, que es el que conocemos ahora: Soilwork. Su primer trabajo fue una Demo llamada "In Dreams We Fall Into The Eternal Lake" compuesta de cinco piezas. Esta maqueta fue enviada a varias compañías discográficas hasta que llegó a las manos de Mike Amott, guitarrista de Arch Enemy. A Mike le gustó mucho este trabajo y Soilwork pidieron un contrato. Dos discográficas estuvieron interesadas en ellos y decidieron probar suerte con el sello francés "Listenable Records" con el que grabaron su Álbum debut Steelbath Suicide en 1998. Catorce canciones arrolladoras de puro Death Metal. Poco después de la salida de este disco surgieron los primeros problemas. Los integrantes del grupo comenzaron a tener diferencias entre ellos sobre el estilo de metal a seguir, y a raíz de esto el guitarrista Ludwig Swartz y el percusionista Jimmy Persson abandonaron el grupo. Fueron sustituidos por Ola Frenning y Henry Ranta respectivamente. Fue entonces cuando comenzaron a trabajar duramente en un nuevo disco, The Chainheart Machine, que salió a la calle al año siguiente, en 1999. Ya entonces este grupo gozaba de cierta autosuficiencia y empuje discográfico, y fue una decisión importante para ellos seguir evolucionando musicalmente, hecho que les hizo decantarse por el sello Nuclear Blast. Así, publicaron un nuevo Álbum en 2001, lo llamaron A Predator's Portrait, disco con el cual obtuvieron un notable éxito en una perfecta gira junto a Nevermore y Annihilator. Pero ahí no acabaron los problemas para esta banda, y es que perdieron en ese año al teclista Carlos Del Olmo Holmberg, aunque fue reemplazado por Sven Karlsson, que ya había trabajado en grupos como Evergrey, Misteltein y Embraced. Al poco publicaron un nuevo trabajo: Natural Born Chaos, uno de sus discos cumbre de toda su carrera y de los más apreciados por los seguidores del Death Melódico. Y es que fue en este disco donde se marcó un punto de inflexión con respecto a sus anteriores trabajos, donde empezaron a escucharse los riffs influenciados del Heavy metal de los 80 que le dan a Soilwork ese toque melódico que aún hoy conservan de forma sublime. Siendo fieles a su nombre, Soilwork siguió trabajando duro para sacar un nuevo Álbum pasado un año. Se plasmó en el notable disco Figure Number Five en 2003. Ese mismo año la antigua compañía que les había lanzado a la fama Listenable Records sacó de su propia mano un EP titulado The Early Chapters con ansias de ser un 'Best Of' a pequeña escala. Es de notar que Soilwork han tenido muchas disensiones en el seno de sus integrantes, hecho que corrobora aún más la salida del percusionista Henry Ranta, sustituido por Dirk Verbeuren poco después. Pero para ellos la guerra aún no tenía tregua, y se pusieron de nuevo manos a la obra para trabajar en un nuevo disco. Entrando al estudio en 2004 y plasmándose en un magnífico trabajo que salió un año más tarde bajo el título de Stabbing The Drama, recibiendo buenas críticas por parte de los medios. De esta manera Soilwork se consolida como uno de los mejores grupos de Death Meládico que ha habido nunca, haciendo honor a su nombre "Soil-Work" (Duro trabajo). Y es que pocas bandas pueden presumir de haber sacado tanta calidad en tan poco tiempo.

Eluveitie

Eluveitie es un grupo de Folk / Celtic Metal originario de Suiza.Fue formada en el año 2002 por Chrigel Glanzmann, con la idea de crear una banda basada en la cultura de la antigua Helvecia gala; incluso parte de algunas canciones están cantadas en galo antiguo. La música es característica por la presencia de intrumentos celtas clásicos como la zanfoña o la gaita sonbre una base de Death metal melódico.En 2003 vio la luz su primer trabajo, un EP llamado Vên. Más tarde, a su entrada en la discográfica Fear Dark, sacaron una versión remasterizada, y unos años más tarde su primer álbum de larga duración, Spirit.

FormaciónMiembros actuales
* Chrigel Glanzmann: Voz principal, whistle, guitarra acústica, gaita irlandesa, bodhràn * Siméon Koch: Guitarra * Ivo Henzi: Guitarra * Rafi Kirder: Bajo, coros * Meri Tadic: Violín, coros * Anna Murphy: Zanfoña, coros * Sevan Kirder: Gaita, flauta irlandesa, whistle, coros * Merlin Sutter: Batería
Antiguos miembros
* Sevi Binder: Voz * Dani Fürer: Guitarra * Linda Suter: Violín * Sarah Kiener: Zanfoña * Dide Marfurt: Zanfoña * Beni: Batería
Discografía
1. Vên (2003) 2. Vên (remasterizado, 2004) 3. Spirit (2006)

Jethro Tull

Era el final de 1967 y cuatro jóvenes con aspiraciones se reunieron en Luton, un pueblo al sur de Londres, ellos formaron la "John Evan Band and McGregor's Engine". Una experiencia que se estrelló antes de despegar. De las cenizas, emergieron los talentos de Ian Anderson, Mick Abrahams, Glen Cornick y Clive Bunker en algo que llamaron Jethro Tull. El nombre de la banda, extraño como suena, tiene un origen no menos particular. Ellos cambiaban de nombre permanentemente porque, como no tocaban nada bien, no eran admitidos en muchos clubes. Su agente, revisó libros de historia y llegó con el nombre de Jethro Tull, un agricultor inglés que había inventado un sistema revolucionario para la siembra. En febrero de 1968, este fue el nombre que adoptaron para la presentación en el famoso "Marquee Club" de londres cuando se les ofreció tocar los jueves por la noche. Un mes después se había colocado como el nuevo rostro del blues británico en el ambiente underground. Las filas se empezaron a hacer más largas; y la insistencia de John Peel y Brian Mathews de la BBC y del dueño del club John Gee en la gente para que la gente conociera la banda, fue decisiva en esos primeros meses de existencia. A raíz de estos esfuerzos fueron llamados a participar al "Sundbury Jazz and Blues Festival" en el verano del 68. Se sumó a esto el disco "This Was" que les valió el reconocimiento de una mayor audiencia. La primera baja de la agrupación fue Mick Abrahams quien se marchó (con todo y su estilo) a un nuevo proyecto "Blodwyn Pig", que resultó ser flor de un día. A inicios del 69 la guitarra fue ocupada por Martin Barre y el grupo se embarcó en el segundo disco: "Stand Up". El disco funcionó decentemente y eso les permitió abrirse a nuevos públicos en Europa y Estados Unidos. Este álbum es una muestra del nuevo rol de Ian Anderson quien mezcló Jazz, música clásica, folk y música étnica, definiendo claramente cuál sería el estilo de la banda.Con el primer lugar en las listas inglesas de álbumes, fue fácil salir de la sombra de bandas como Led Zeppelin y colocarse dentro del mercado norteamericano. Así, lograron portadas de las revistas Time y Rolling Stone, cinco noches en el Foro de Los Ángeles y tres noches en el Madison Square Garden de Nueva York. Mientras consolidaban su fama en Estados Unidos por medio de giras, decidieron mantener viva su reputación en Inglaterra con sencillos como "Living in the Past". Sin embargo, ni el trabajo de la banda ni el gusto del público se reducían a sencillos. Eran los álbumes como un todo lo que le daban fuerza Jethro Tull. De hecho los discos tenían varias pistas que eran programables en las radios, lo que los mantenía vigentes mientras salían de gira."Benefit", "Aqualung" y los llamados álbumes conceptuales "Thick as a Brick" o "A Passion Play" confirmaron la tendencia al rock progresivo o, como también fue bautizado, rock-arte, blues-rock, folk-rock y hard-rock. Semejante cantidad de calificativos solo pueden decir lo difícil que era encajonar el estilo propio de una banda. Vino un reacomodo y Jeffrey Hammond reemplazó a Cornick en el bajo, Barrimore Barlow a Bunker en la batería y entró John Evan a tocar el piano. Todo esto facilitó la transición de la banda "blusera" del 68 a la agrupación que se hizo famosa a mediados de los años 70, que les permitió llenar el Shea Stadium de Nueva York desde que tocaron allí los Beatles. Sin embargo, el éxito no fue limitante para que su música fuera crítica, controversial y, a veces, una paradia de sí mismos. Con dos discos en el número uno de los Estados Unidos y haciendo fiesta en las listas del resto del mundo, la banda empezó a salirse de la lógica comercial disco-gira. A finales de los años 70 e inicios de los 80 la banda produjo discos y giras, que si bien no tenían el éxito numérico de sus predecesores, fueron una prueba de la aceptación de la gente a la costumbre de Jethro Tull de reinventarse regularmente. Discos como "Warchild", "Too Old to Rock and Roll: Too Young to Die", "Mistrel in the Gallery", "Songs from the Wood" y "Heavy Horses" le abrieron la puerta al estilo musical del grupo en lugares tan disímiles como Buenos Aires o Budapest. En el caso de "Too Old to Rock and Roll", Ian Anderson, explicó que el tema no tenía un propósito autobiográfico. Por el contrario era una crítica al constante cambio en la cultura pop. De ahí, que hoy opine que esa canción no le plantea un problema generacional. Nuevamente, la banda fue rearmada y músicos como David Palmer, John Glascock, Dave Pegg, Doane Perry, Andrew Giddings y Jonathan Noyce empezaron a tener más influencia en la creación de nuevos materiales. Esto fue lo que le valió la sobrevivir como banda al final de los ochenta y los noventa. En la actualidad la agrupación la integran Ian Anderson en la flauta, voces, guitarra acústica y la mandolina; Marin Barre en la guitarra eléctrica; Doane Perry en la batería; Andrew Giddins en los teclados; y Jonathan Noyce en el bajo. Los cambios de miembros en la agrupación se debieron a razones tan variadas como el matrimonio, la necesidad de asentarse en un lugar o armar sus propios proyectos. Hoy, con 60 millones de discos vendidos, 2 500 conciertos en cuarenta países, la banda sigue tocando unas cien presentaciones anuales para 300 mil espectadores. A pesar de los años, siguen congregando gente en Estados Unidos, Europa y América Latina.

Sirenia

Sirenia toca una mezcla de gothic-metal y rock con influencias de música clásica, como elementos black y death. Las bases de su sonido con enérgicas baterías y bajos que son mejoradas y apoyadas por guitarras agresivas, acompañadas de teclados atmosféricos, y un toque especial: violines melancólicos, así como guitarras de 12 cuerdas. En cuanto a las voces, tiene un gran repertorio, vas desde voces angelicales, voces guturales, gritos, coros, voz masculina limpia, susurros..... SIRENIA se formo en el 2001, después de la separación de Morten Veland de tristania. Esto debido a diferencias personales..y por palabras de Morten, algunos integrantes de tristania solo hacen música por el dinero y no por el placer de hacer música. El pronto restableció comunicación con NAPALM records y con el productor, Terje Refsnes de Sound Suite Studios. Recluyo a su compañero de banda (elusive) Kristian Gundersen, un amigo cercano y un eminente músico, quien comparte las inclinaciones musical de Morten, y Hans Henrik Varland en los teclados. A mediados de noviembre del 2001, la banda entro a los Sound Suite Studios para grabar 9 canciones para el album debut , "At Sixes and Sevens". Las voces femeninas fueron echas por Fabienne Gondamin. Pete Johansen (The Sins Of Thy Beloved , The Scarr) también participo en este CD en el violín. Pete es bien conocido por su forma de tocar el violín, tiene un estilo muy bien definido y enseguida reconoces su participación en este Cd. A esto, se le sumo un coro francés, y Jan Kenneth Barkved (Elusive) con las voces masculinas limpias. Después de que salió a la venta “At Sixes and Sevens”, sirenia empezó los tours a mediados de primavera y el verano del 2003. una vez terminados los tours, Veland se puso a trabajar en un nuevo album. El había estado trabajando en canciones nuevas desde el 2002 y paso el ultimo verano perfeccionándolas. A finales de agosto del 2003, Veland y Gundersen entraron de nuevo a los Sound Suite Studios para grabar “An Elixir for Existence”. El Cd incluye desde el metal.-beat a lo mas atmosférico y calmado..en este CD, se incluyen canciones épicas, con arreglos sinfónicos mas elaborados, y atmósferas melancólicas.

After Forever

Formados en el año 1995 bajo el nombre de Apocalypse, el grupo se dedicó en sus comienzos a tocar versiones de canciones clásicas de Iron Maiden, Queen y The Cult. El nombre del grupo cambio a After Forever cuando empezaron a componer sus propias canciones, grabando su primera demo en 1999, la cual atrajo el interés de la discográfica Transmission Records, con la cual firmaron inmediatamente. El estilo de su música es una base de gothic metal con incorporaciones de tipo clásico o incluso de música alternativa. En el 2002, el Guitarrista Mark Jansen fue expulsado de la banda por diferencias musicales entre los miembros de After Forever. En el 2003, la banda lanza al mercado el EP Exordium para darles a los fans una idea del nuevo estilo de After Forever... En el 2004 la banda lanza al mercado su primer disco conceptual llamado Invisible Circles y lanzaron el single Digital Deceit del mismo... Varios meses después el tecladista Lando Van Gils abandona la banda porque no podía aguantar la presión de las giras largas. After Forever entonces contrata a Joost Van Den Broek (ex Sun Caged) y este los ayuda a encontrar un nuevo estilo para el próximo álbum. En septiembre de 2005 la banda lanza su último disco con la compañía Transmission Records y su cd más exitoso hasta el momento Remagine con su sencillo Being Everyone... After Forever tuvo muchos problemas con la casa disquera y en Junio 6 de 2006 la banda termina su contrato con Transmission Records y se enfocara en su nuevo álbum para su nueva casa disquera aun sin confirmar.En el 2006 After Forever cumple 10 años como banda y Transmission decide lanzar un cd de éxitos llamado Mea Culpa, con recopilaciones de sus temas más representativos, desde el single Wings of Illusion, pasando por el Prison of Desire, hasta llegar a Remagine. Aunque se están cumpliendo aproximadamente 10 años de esta fabulosa banda, la misma no tuvo nada de participación en la creación de este álbum.Está previsto que en Abril 20 de 2007 salga a la venta su nuevo trabajo discográfico esta vez de la mano del sello alemán Nuclear Blast. After Forever decide nombrar su proximo CD "After Forever" ya que su nuevo álbum contiene todos los elementos que After Forever ha utilizado desde sus principios, su nuevo sencillo titulado "Energize Me" ha salido a la venta en Marzo, la banda grabó un video musical del mismo tema a finales de febrero.

Miembros
Floor Jansen - Voces de soprano Sander Gommans - Guitarra, Voces guturales (growls) Bas Maas ? Guitarra Luuk van Gerven - Bajo Andre Borgman - Batería, Guitarra acústica Joost van den Broek - Teclado
Miembros Pasados
Mark Jansen - Guitarras (en Prison of Desire y Decipher) Joep Beckers - Batería (en Prison of Desire) Jack Driessen - Teclado (en Prison of Desire) Lando van Gils - Teclado (en Decipher, Exordium y Invisible Circles)

Discografía
Álbumes
Prison Of Desire - 2000 Decipher - 2001 Invisible Circles - 2004 Remagine - 2005 Mea Culpa "Best Of Album" - 2006 After Forever - 2007
Mini-Cd
Exordium - 2003
EPs
Follow In The Cry - 2000 Emphasis - 2002 Exordium - 2003
Demos
Ephemeral - 1998 Wings of Illusion - 1999
Singles
Follow In The Cry - 1999 Monolith of Doubt - 2002 Emphasis - 2002 My Choice - 2003 Digital Deceit - 2004 Being Everyone - 2005 Two Sides - 2006 Energize Me - 2007 Equally Destructive - 2007

Dali's Dilema

De corte metal progresivo, la banda Dali's Dilema fué concebida en San Jose, CA por los hermanos Patrick (guitarra) y Steve Reyes (bajo) en 1994, se les unió el tecladista Matt Guillory q fué el primer miembro permanente; Mateo Bradley (vocalista) y Jeremy Colson (baterista) fueron los últimos en integrarse; habiendo firmado con el sello Magna Carta, la banda publicó su primer álbum, Manifesto for Futurism, en 1999.

Katatonia

Katatonia se formó en el 1991, por el duo compuesto por Anders Nyström y Jonas Renske, los cuales, tras la incorporación del bajista Guillaume Le Huch, publicaron su primera demo titulada Jhva Elohim Meth ... The Revival. Un año después dicha demo se publicaría como un EP. En 1993 graban su primer disco, Dance of December Souls, ajustandose perfectamente a los patrones de bandas como Anathema o My Dying Bride. Después de varias publicaciones, Katatonia sorprendió a sus fans con el lanzamiento del álbum Tonight's Decision. En este álbum el grupo se apartaba de los estándares del doomdeath metal, perdiendo la voz gutural, para aproximarse un poco al tipo de gothic metal a veces llamado dark metal. Con el paso del tiempo el grupo ha ido aumentando su popularidad álbum tras álbum, aproximandose a un estilo más alternativo y popular, manteniendo un estilo realmente único y opresivo. Miembros Jonas Renkse - Voces (y batería hasta Tonight's Decision) Anders Nyström - Guitarras Fredrik Norrman - Guitarras Mattias Norrman - Bajo Daniel Liljekvist - Batería Miembros pasados Mikael Åkerfeldt - Voces (invitado en Brave Murder Day) Guillaume Le Huche (Israphel) - Bajo (en Dance Of December Souls y For Funerals To Come) Micke Oretoft - Bajo (en Saw You Drown y Discouraged Ones)

Explorers Club

Explorers Club es un supergrupo de metal progresivo liderado por los Hermanos Gardner, de Magellan, incluyendo en su formación a James LaBrie, John Petrucci, John Myung y Derek Sherinian del grupo Dream Theater; Billy Sheehan, Gary Wehrkamp, Steve Howe, Marty Friedman y Terry Bozzio, entre otros. Su primer album, Age of Impact, fue lanzado en 1998, seguido, en el año 2002 por el album Raising the Mammoth.

Vinnie Moore

Vinnie Moore surgió a finales de los ochenta. Al 2001, él ha registrado seis álbumes de estudio . El principio su carrera fue a los 12 años, Moore toco en clubes y las barras hasta que Mike Varney ejecutivo lo descubrió por un artículo. Su conexión con Varney llevó a una propaganda de Pepsi en 1985,[3] (sólo las manos de Vinnie aparecieron en la propaganda tocando la guitarra, le dio suficiente reconocimiento para registrar su primer álbum solo, MINDS EYE.Su presentación, CON Tony Macalpine en teclados, lle levó a varios premios de revistas de guitarra y vendió más de 100.000 copias.Vinnie Moore toco la guitarra principal con la banda de metal los Vicious Rumors en su álbum de debut, "Soldados de la noche". El álbum representa la solo-canción de Moore, el "Invasor", que estuvo en el estilo de "Erupción" de Halen y él comenzó a realizar actuaciones con otras bandas en la escena de rock duro y publico dos videos instruccionalesSu dedicación a enseñar su arte le ha traído muchos elogios en círculos de músico . Aunque los noventa vieran un descenso en la popularidad de la música de guitarra solista, Moore sobrevivió la tendencia bajista debido a sus videos populares de guitarra de calidad junto con guitarristas, Al Di Meola y Allan Holdsworth

Albumes en solitario
Mind's Eye (1986) Time Odyssey (1988) Meltdown (1991) Out of Nowhere (1996) The Maze (1999) Live! (2000) Live 1999 Defying Gravity (2001) Vinnie Moore Collection: The Shrapnel Years (2006)
Videos
Advanced Lead Guitar Techniques (1987) Speed, Accuracy, & Articulation (1989) 'SHOWTIME' 2-CD and 2-DVD set from UFO's European tour (2005)
Colaboraciones
1985 - Vicious Rumors - Soldiers Of The Night 1989 - Guitar's Practicing Musicians - Free 1991 - Alice Cooper - Hey Stoopid (with, Steve Vai, Joe Satriani, and Slash) 1994 - Various Artists - Deep Purple Tribute: Smoke On The Water 1998 - Sega - Game soundtrack for the 'Saturn' video game 2004 - UFO - You Are Here 2004 - Jordan Rudess - Rhythm of Time 2005 - Various Artists - Subdivisions: A Tribute to the Music of Rush 2006 - UFO - Monkey Puzzle

MARILLION

Marillion es un grupo británico de rock formado en 1979 en Aylesbury, Buckinghamshire, Inglaterra. Su carrera es normalmente dividida en etapas, separadas por la partida del cantante Fish y la llegada de Steve Hogarth en 1988. El resto de los integrantes del grupo han permanecido en él desde 1984: el guitarrista Steve Rothery (el único miembro original actualmente), el tecladista Mark Kelly, el bajista Pete Trewavas y el percusionista Ian Mosley.
El grupo ha recibido reconocimiento de la crítica y gran éxito comercial, continuamente presentes en la lista británica del Top 10, y alcanzando un récord Guinness [1] por la grabación y puesta a la venta más rápida de un DVD basado en un concierto. El estilo del grupo ha evolucionado de forma continua de modo que no se les puede encasillar en una definición, aunque el estilo de Marillion ha recibido muchos nombres, desde rock épico, rock clásico, rock artístico, rock progresivo, rock neoprogresivo, hasta simplemente rock.
Integrantes Derek W. Dick (conocido como Fish) - Voz (salió en 1988) Steve Hogarth (conocido también como "H") - Voz (a partir de 1989) Steve Rothery - Guitarra eléctrica Pete Trewavas - Bajo Mark Kelly - Teclados Mick Pointer - Percusiones (salió en 1983) Ian Mosley - Percusiones (a partir de 1984) Adicionalmente, hubo tres percusionistas (Jonathan Mover, Andy Ward y John Martyr) que entraron y salieron de la banda entre la salida de Pointer y la llegada de Mosley.

Historia La era con Fish
El grupo se formó con el nombre Silmarillion, usando el título de la obra literaria de J.R.R. Tolkien, El Silmarillion en 1979. Acortaron el nombre a simplemente Marillion en 1980 supuestamente por amenazas legales por parte de los detentores de los derechos de la obra de Tolkien. Las primeras obras de Marillion contienen letras poéticas e introspectivas escritas por Fish, que, sobre un fondo musical sumamente complejo, reflejaban las influencias del grupo, notablemente los grupos Genesis (en su primera etapa), Van der Graaf Generator y Yes. El primer sencillo de Marillion fue Market Square Heroes, lanzado en 1982, con la canción Grendel en el lado B del disco de vinil de 12 pulgadas.El primer álbum de Marillion fue lanzado en 1983, con el título Script for a Jester's Tear, compuesto de música surgida de previos conciertos en los años precedentes. El álbum tiene un estilo fuertemente cargado hacia el rock progresivo aunque también tiene un tono sombrío reflejado desde la portada que mostraba una habitación sucia y desordenada. El segundo álbum se llamó Fugazi y fue lanzado en 1984.Misplaced Childhood lanzado en 1985 es su tercer álbum, y quizás el mejor trabajo del grupo. Es el más exitoso comercialmente, y por muchos considerado como uno de los tres mejores álbumes de rock de los años ochenta (junto a Synchronicity de The Police, y The Joshua Tree de U2). Representó cierto cambio de estilo, combinando la habilidad del grupo para tocar baladas pop (Kayleigh), junto a canciones profundas sobre la juventud perdida y el primer amor. El cuarto álbum, Clutching at Straws de (1987) comparte el estilo con su predecesor, aunque exploraba más de cerca los excesos, el alcoholismo y la vida en hoteles, reflejando las marcas dejadas por varios años de giras continuas. Después de éste álbum, el vocalista Fish se separó del grupo, para seguir una carrera de solista. La salida de Fish acarreó varias batallas legales que provocaron que el grupo no se reencontrase con él por más de diez años.

La era con Steve Hogarth
El extecladista y eventual vocalista del grupo The Europeans, Steve Hogarth, fue quien sustituyó a Fish en 1989. Cuando Hogarth se unió a Marillion, el grupo ya había grabado demos de su próximo álbum (Seasons End), en el cual Fish cantaba sus propias letras. Sin embargo, la letra de las canciones pertenecía ahora a Fish, por lo que el grupo tuvo que escribir nuevas letras para ser usadas en melodías existentes. Para esto recibieron la ayuda del compositor John Helmer. Los demos que fueron grabados para Seasons End con la voz de Fish, pueden ser encontrados en el disco extra de la versión remasterizada de Clutching at straws. Además, Fish reutilizó las letras en varias canciones de sus tres primeros álbumes como solista.El siguiente álbum del grupo, y segundo de Hogarth con Marillion, fue Holidays in Eden, el cual es considerado el álbum más comercial del grupo, pues está compuesto casi en su totalidad de canciones aptas para ser transmitidas por la radio. Sin embargo, fue seguido por el álbum Brave en (1994), mucho más complejo y sofisticado, para cuyo lanzamiento el grupo demoró año y medio de trabajo. Brave además fue el primer trabajo del grupo con el productor Dave Meegan, e inspiró una película independiente llamada Brave, donde aparecía el grupo. Aunque no tuvo mucho éxito comercial, Brave es considerado uno de los mejores álbumes de rock progresivo de la década de 1990.Al año siguiente lanzaron Afraid of Sunlight, que fue el último álbum del grupo bajo el sello EMI, y es considerado uno de los mejores álbumes clásicos de Marillion. A continuación, se desarrollaron una serie de eventos y producciones que reflejaban el esfuerzo de Marillion por encontrar su lugar en el ámbito musical. Su siguiente producción This Strange Engine fue lanzada en 1997 con poca difusión por parte de Castle Records, la nueva disquera, y el grupo no consiguió hacer una gira como estaba contemplada originalmente, limitándose sólo al continente europeo. Sin embargo, los seguidores del grupo en el continente americano recolectaron el dinero suficiente para que la gira fuese más extensa. Este evento fue el primero donde el grupo se apoyó en la ayuda que la combinación fans e Internet le podían dar, lo cual ha continuado hasta hoy (2005).El décimo álbum de estudio es Radiation (1998), donde se manifiesta un esfuerzo del grupo por sonar moderno, y reflejando influencias de otros grupos como Radiohead. Al siguiente año, fue lanzado el álbum Marillion.com. El grupo aún no estaba satisfecho con el apoyo de Castle Records, y decidió nuevamente acudir a sus fieles seguidores, para ver si ellos estaban dispuestos a comprar el siguiente álbum antes de que éste fuera grabado, preordenándolo por Internet y también por correo. La abrumadora respuesta de los fans (donde se recolectó mucho más de lo originalmente estimado), permitió grabar Anoraknophobia en 2001. Además, se acordó con EMI para que ésta se encargara de la distribución del álbum, pero dejando los derechos sobre la obra enteramente en manos de Marillion.El exitoso esquema de financiamiento de Anoraknophobia, y el éxito musical del álbum, llevaron al grupo a volver a usar la conexión con sus fans para el siguiente álbum, que fue precomprado por 17000 fans cuando éste estaba apenas a media grabación. Marbles fue lanzado en 2004, y para quienes lo precompraron a través de la lista de correo, fue editada una versión especial doble, con los nombres de todos los que hicieron la compra, como parte de los créditos de producción.

Discografía
Álbumes de Estudio
Script for a Jester's Tear (1983) Fugazi (1984) Misplaced Childhood (1985) Clutching at Straws (1987) Seasons End (1989) Holidays in Eden (1991) Brave (1994) Afraid of Sunlight (1995) This Strange Engine (1997) Radiation (1998) marillion.com (1999) Anoraknophobia (2001) Marbles (2004) Somewhere Else (2007) Todos los álbumes hasta Afraid of Sunlight han sido relanzados como CD doble, en los cuales el segundo CD incluía material adicional.
Compilaciones
Brief Encounter (USA Mini LP, 1986) B'Sides Themselves (1988) From Stoke Row To Ipanema (1990) A Singles Collection (1992) Marillion Music Collection (Italia, 1993) Kayleigh (Países Bajos, 1996) Essential Collection (Reino Unido, 1996) The Best of Marillion (Rusia, 1996) Best Of Both Worlds (1997) Real to Reel y Brief Encounter relanzados como un CD doble (1997) Kayleigh - The essential collection (Reino Unido, 1998) The Singles 82-88 Caja de CD con 12 sencillos tal y como fueron lanzados en el Reino Unido. (2000) The Singles 89-95 Caja de CD con 12 sencillos tal y como fueron lanzados en el Reino Unido. (2002) Warm Wet Circles (Países Bajos, 2003) Remixes
Remixomatosis (2005)
Álbumes en vivo
Real to Reel (1984) Made Again (1996) The Thieving Magpie/La gazza ladra (2 CDs, 1988) Anorak Live in the UK (2 CDs, 2002) Popular Music Marbles Live (2005) Marbles by the Sea (2005) Lanzamientos de Racket Records Live at the Borderline (Racket 1, 1992) Live in Caracas (Racket 2, 1992) Live in Glasgow (Racket 3, 1993) Tales From The Engine Room (Racket 7, 1998) Marillionrochester (2 CDs, Racket 8, 1998) Piston Broke (Racket 9, 1998) Unplugged At The Walls (2 CDs, Racket 10, 1999) marillion.zodiac (Racket 11, 1999) marillion.co.uk (Racket 12, 2000, reissued 2002 & 2005) How We Live: Dry Land (Racket 13, 1987) The Wishing Tree: Carnival of Souls (Racket 14, 2001) A Crash Course - An Introduction to Marillion (Racket 15, 2001) ReFracted! (2 CDs, Racket 17) Another DAT at the office (2 CDs, Racket 18) Fallout (2 CDs, Racket 19) Caught in the Net (2 CDs, Racket 20) AWOL (Racket 21) Brave Live 2002 (Racket 22, 5 April 2002) View from the Balcony (Racket 23, Front Row Club Sampler) Remixomatosis (2004, Racket 24, diferente del álbum mencionado com Remix)
CDs de Navidad
Christmas 1998 Happy Christmas Everybody (1998) Christmas 1999 marillion.christmas (1999) Christmas 2000 A Piss-up in a Brewery (2000) Christmas 2001 A verry Barry Christmas (2001) Christmas 2002 Santa and his Elvis (2002) Christmas 2003 Say Cheese! (2003) Christmas 2004 Baubles (2004)
Lanzamientos de Front Row Club
Front Row Club Issue 1 (FRC-001, Ludwigshalle, Dieburg, Alemania, 9 de noviembre de 1998) Front Row Club Issue 2 (FRC-002, The Academy, Manchester, Inglaterra, 18 de noviembre de 1999) Front Row Club Issue 3 (FRC-003, The Luxor, Arnhem, Países Bajos, 25 de junio de 1995) Front Row Club Issue 4 (FRC-004, The Borderline Club, Londres, Inglaterra, 9 de mayo de 1992) Front Row Club Issue 5 (FRC-005, The Barrowlands, Glasgow, Escocia, 4 de Diciembre de 1989) Front Row Club Issue 6 (FRC-006, Michael Hunter, River, 1994) Front Row Club Issue 7 (FRC-007, Salle de Fetes Beaulieu, Lausana, Suiza, 19 de octubre de 1991) Front Row Club Issue 8 (FRC-008, Le Spectrum, Montreal, Canada, 6 de septiembre de 1997) Front Row Club Issue 9 (FRC-009, Forum, Londres, Inglaterra, 28 de abril de 1996) Front Row Club Issue 10 (FRC-010, Moles Club, Bath, Inglaterra, 12 de diciembre de 1990) Front Row Club Issue 11 (FRC-011, Bass Brewery Museum, Burton-On-Trent Inglaterra, 17 de noviembre de 2000) Front Row Club Issue 12 (FRC-012, Sala Bikini Barcelona, España, 12 de diciembre de 2000) Front Row Club Issue 13 (FRC-013, Ahoy Rotterdam, Países Bajos, 29 de septiembre de 1995) Front Row Club Issue 14 (FRC-014, The Ritz Roseville, USA, 22 de febrero de 1990) Front Row Club Issue 15 (FRC-015, Curtain Call) Front Row Club Issue 16 (FRC-016, Ateneu Popular de Nou Barris Barcelona, España, 10 de enero de 1998) Front Row Club Issue 17 (FRC-017, 013 Tilburg, Países Bajos, 13 de octubre de 2001) Front Row Club Issue 18 (FRC-018, The E-Werk, Colonia, Alemania, 2 de septiembre de 1992) Front Row Club Issue 19 (FRC-019, Civic, Wolverhampton, Inglaterra, 4 de noviembre de 1998) Front Row Club Issue 20 (FRC-020, Copenhagen, Dinamarca, 28 de mayo de 1994) Front Row Club Issue 21 (FRC-021, Londres, 28 de febrero de 2001) Front Row Club Issue 22 (FRC-022, Utrecht, 29 de mayo de 1997) Front Row Club Issue 23 (FRC-023, Aylesbury, 30 de abril de 2004) Front Row Club Issue 24 (FRC-024, Paris, Francia, 18 de noviembre de 1998) Front Row Club Issue 25 (FRC-025, Mannheim, Alemania, 4 de diciembre de 1999) Front Row Club Issue 26 (FRC-026, Oxford, Inglaterra, 25 de julio de 1999) Front Row Club Issue 27 (FRC-027, Cambridge, Inglaterra, 17 de septiembre de 1995) Front Row Club Issue 28 (FRC-028, Sao Paulo, Brasil, 5 de octubre de 1992) Front Row Club Issue 29 (FRC-029, Philadelphia, USA, 9 de octubre de 2004) Front Row Club Issue 30 (FRC-030, Bielefeld, 20 de marzo de 1994) Front Row Club Issue 31 (FRC-031, Milwaukee, 20 de septiembre de 1997) Front Row Club Issue 32 (FRC-032, Richmond, 3 de agosto de 2002) Front Row Club Issue 33 (FRC-033, Colonia, 24 de julio de 1991)
Videos
Recital of the Script (1983, Remasterizado en 2003) Grendel/The Web ep (1984) 1982-1986 The Videos (1986) Sugar Mice/Incommunicado (1987) Live at Loreley (1987, Relanzado en 2004) From Stoke Row To Ipanema (A year in the life) (1990), Relanzado en 2003) Six of one half a dozen the others (1992) A Singles Collection (1992) Brave, The Movie (1995) Shot in the Dark (2000, relanzado en 2002) The EMI Singles Collection (2002) Brave Live 2002 (DVD) (2002) A Piss-Up in a Brewery (DVD) (2002) Before First Light (DVD) (2003) Christmas in the Chapel (DVD) (2003) Marbles on the Road (DVD) (2004) Wish You Were Here (4 DVDs, 2005)